Der österreichische Philosoph Christian von Ehrenfels gilt als "Vater der Gestaltpsychologie". Mit seiner Studie "Über Gestaltqualitäten" legte er die Basis für die Gestaltpsychologie als neuer wissenschaftlicher Disziplin, wirkte aber auch befruchtend auf anderen philosophischen Gebieten. Er verfasste Schriften zu Werttheorie und Ästhetik, Psychologie, Ethik und Erkenntnistheorie und später intensiv zu metaphysischen Themen. Daneben war er auch Dichter und schrieb als leidenschaftlicher Wagnerianer Opernlibretti und andere dramatische Werke, die häufig als Sprachrohr für seine sozial- und sexualreformerischen Ideen dienten. Der Band vereinigt (...) Beiträge, die einleitend der Entwicklung, sowie ontologischen und metaphysischen Aspekten des Gestaltbegriffs gewidmet sind, mit Studien, die die werttheoretischen und sozialphilosophischen Implikationen von Ehrenfels' Philosophie behandeln. Beleuchtet werden weiters die Möglichkeiten und Konsequenzen, die die Einführung des Gestaltbegriffs für Ästhetik und Kunstontologie mit sich bringt. Abgerundet wird der Band durch die kommentierte Erstveröffentlichung von Ehrenfels' Dissertation, die als Vorstufe für die spätere Entwicklung des Gestaltbegriffes anzusehen ist. (shrink)

Form and Painting. The work process of vase painters in South Italy. A case study at the vases of the Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg Mostly ancient Greek vases are subjects of studies of iconographic issues, of association with other archaeological material and of their context. During the researches of the south Italian redfigure vases of the late-classical period for the CVA Hamburg 2 there were recognized some technical details, that had not taken notice of or that (...) were insufficiently differentiated in former researches. This case study exposes in detail the single, one by one succeeding steps of the production of a vase by the potter and the painter. (shrink)

Lässt sich Kunst definieren? Von vielen analytischen Kunstphilosophen wird das bezweifelt. Für sie ist der Kunstbegriff ein “offener Begriff”, der auf unterschiedlichste Phänomene angewandt werden kann, selbst wenn diese keine gemeinsame Eigenschaft miteinander verbindet. Wer danach fragt, was Kunst denn eigentlich sei, verkennt in ihren Augen das Wesen des Kunstbegriffs. Träfe diese Auffassung zu, wären philosophische Theorien über das Wesen der Kunst bloße Spekulation. Der Streit um den Kunstbegriff, der bis heute nicht beigelegt ist, ist deshalb ein (...) Streit um die Grundlagen und die Möglichkeit einer Ästhetik der Kunst. Der Band stellt die wichtigsten Protagonisten dieses Streits in Aufsätzen vor, die hier größtenteils zum ersten Mal in deutscher Übersetzung vorliegen. Er enthält Beiträge von Berys Gaut, William E. Kennick, Maurice Mandelbaum, Robert J. Matthews, Robert Stecker, Morris Weitz und Paul Ziff. (shrink)

Der "Verfransungsprozess" der Künste, von dem Adorno gesprochen hat schlägt sich in Christian Grünys Buch in einer Verflechtung ihrer theoretischen Ausarbeitungen nieder.Eher als ein linearer Argumentationsgang ergibt sich dabei insgesamt eine Konstellation von Problemfeldern, die sich gegenseitig beleuchten und teilweise aufeinander aufbauen. Diese Konstellation versucht, das Wie der Musik auf möglichst reiche Weise zu konturieren. Die Begriffe, vermittels derer diese Konstellation aufgebaut und erläutert wird - Differenz, Resonanz, Geste und Rhythmus, Raum und Zeit, Materialität -, sind nur teilweise genuin musikalisch. (...) Sie sind Begriffe einer philosophischen Ästhetik, die dennoch nicht auf die Musik angewandt, sondern an und mit ihr entwickelt wird. Philosophische Konstellationen zur Musik sind sie insofern, als sie dem Anspruch nach weniger über die Musik sprechen als sich zu ihr stellen, sich auf ihre Bewegung einlassen und so einen Zusammenhang produzieren, der etwas an ihr aufscheinen zu lassen versucht, was sonst nicht sichtbar würde. Dabei sind an verschiedenen Stellen philosophische Diskussionen zu führen. Wenn es dabei ein Motiv gibt, das sich durch den gesamten Text zieht, so ist es das einer Differenz, die sich nie zu fixen Entgegensetzungen verfestigt. So bedeutsam die Unterscheidungen sind, die an den unterschiedlichen Stellen vorgenommen oder von der Tradition übernommen werden, so wichtig sind die Übergänge zwischen ihren Polen. Die Musik hält sich an diesen Übergängen auf, und das vorliegende Buch versucht, es ihr gleichzutun. (shrink)

Im letzten Jahrhundert hat sich das Museum von einer Institution, die sich auf die Vergangenheit und ihre Bewahrung konzentriert, zu einem Instrument der Wahrsagerei über die Zukunft von Kunst und Gesellschaft gewandelt. Der Aufsatz schlägt vor, ebenso die Museen für Naturgeschichte zu transformieren und für das Konzept einer Zeitgenossenschaft der Natur mit den entsprechenden Untersuchungsinstrumenten zu öffnen, sodass sie sich zu neuen Museen für zeitgenössische Natur entwickeln können. During the last century, art museums evolved from institutions focussing on (...) the past and its preservation to instruments of soothsaying about the future of art and society. This article suggests transforming museums for natural history in the same way, introducing them to the concept of a contemporaneity of nature via proper investigative tools in order to help outdated museums transforming into modern institutions, showcasing contemporary nature. (shrink)

Im Zusammenhang mit der Museumsarchitektur wie auch sonst in der Architekturtheorie und der Philosophie der Architektur werden die Ausdrücke »Funktion« und »funktional« sehr häufig verwendet, aber kaum je expliziert. In diesem Aufsatz schlage ich eine Explikation des architektonischen Funktionsbegriffs vor, um am Beispiel der Museumsarchitektur ein Framework für eine funktionale Analyse von Bauwerken zu entwickeln. Im Anschluss an meinen Explikationsvorschlag, der es erlaubt, verschiedene Funktionstypen zu unterscheiden, behandle ich die praktischen und die ästhetischen Funktionen von Museumsbauten. Abschließend weise ich auf (...) weitere Funktionen hin und verorte das vorgeschlagene Framework in einer allgemeinen Architekturtheorie. (shrink)

Konrad Schüttauf’s critical discussion of Hegel’s aesthetics is imaginative, intelligent, and well-informed. He does not write like a reverent antiquarian describing a philosophical museum piece to a respectful troop of visitors looking for polite conversation. Rather, he writes like one who thinks that there is some life left in Hegel’s remains, something precious, worth saving and cultivating.

Teil I »Psychologische Ästhetik für transdisziplinäres Design« -/- Kapitel I »Empirische Ästhetik – Der Konflikt zwischen leichter Verarbeitbarkeit, sparsamer Codierung und neuronaler Aktivierung im Beobachtersystem. Eine Untersuchung über das Wesen der ästhetischen Erfahrung. -/- Jede Designpraxis verlangt täglich eine Vielzahl von Entscheidungen, welche die Wahl von „Etwas vor dem Hintergrund anderer Möglichkeiten“ darstellen. Diese lassen sich als Probleme einer Präferenz-Ästhetik interpretieren, wobei innerhalb eines Repertoires von Alternativen die attraktivste gewählt wird. Eine empirische Ästhetik ist somit ein notwendiger Bestandteil von Designtheorie. (...) Die Überlegung, wer in welcher Situation warum was bevorzugt, führt zur Forschungsfrage: »Was ist der elementare Mechanismus für eine ästhetische Erfahrung?« In der Literatur zur empirischen Ästhetik finden sich vier wesentliche Theorie-Gruppen: (1.) Es wird eine Präferenz für einfach zu verarbeitende Stimuli behauptet und z.B. mit der Processing Fluency begründet. (2.) Andere Ansätze erklären eine maximale Stimulation des Beobachters durch komplexe Objekte zum Ideal, was auch die ästhetische Erfahrung maximieren soll. (3.) Eine dritte Gruppe vermeidet die Probleme der ersten beiden, indem eine mittlere Komplexität als Präferenz behauptet wird. (4.) Und schließlich gibt es Ansätze, die auf eine integrierende Theorie letztlich verzichten und einzelne Phänomene bzw. Effekte katalogisieren. Eine Liste ungelöster Probleme formuliert die Minimal-Anforderungen an eine integrierende Theorie. Hiermit wird geprüft, ob bzw. inwieweit die Integrative Ästhetik von Schwarzfischer (2008 und 2014) jene Probleme lösen kann. Dieser Ansatz schlägt spezifische Re-Codierungs-Prozesse als basalen Mechanismus jeder ästhetischen Erfahrung vor. Hierzu wird ein Prozess-Modell entwickelt, welches die Integrative Ästhetik überprüfbar macht. Bei der Modellbildung werden manche Konzepte der Integrativen Ästhetik erweitert und andere präzisiert. Auch die Anwendungsmöglichkeiten werden durch das Modell vielfältiger, da es nicht nur als Erklärungsmodell, sondern zudem als Gestaltungsmodell einsetzbar ist. Insgesamt zeigt die Überprüfung der Integrativen Ästhetik und des Modells, dass die Gütekriterien in einem vielversprechenden Maß erfüllt werden. Die grundsätzliche Quantifizierbarkeit wird aufgezeigt sowie die Relevanz und die Anwendbarkeit für das Design nachgewiesen. Die Forschungsfrage kann somit als hinreichend beantwortet gelten: »Der elementare Mechanismus für eine ästhetische Erfahrung scheint ein Re-Codierungs-Prozess zu sein (der auf der Nutzung von In­varianzen basiert), welcher extensionale Daten zu intensionalen Gestalten transformiert, wobei eine Ressourcen-Entlastung stattfindet und der Gültigkeitsbereich der Codierung erweitert wird (was nach Jean Piaget als Dezentrierung bezeichnet wird) – was jeweils durch eine ‚Beobachtung zweiter Ordnung‘ festgestellt wird.« -/- Teil II »Transdisziplinäre Ästhetik im Dialog« -/- Kapitel II.A »Profane und heroische Beobachtungs-Experimente: Kunst-Ästhetik als methodisches Artefakt.« -/- Es reicht nicht, eine Liste mit vorgeblich ‚schönen Dingen‘ zu erstellen, um ‚das Schöne‘ zu verstehen. Piaget & Garcia (1989) unterscheiden drei Stufen in jedem Erkenntnis-Prozess: 1. isolierte Fakten, die unabhängig von einander analysiert werden; 2. konkrete Transformationen, durch welche diese Fakten mit einander verbunden sind; 3. eine Struktur, die alle denkbaren Fälle konstruierbar macht. Sie nannten diese drei Stufen ‚intra‘, ‚inter‘ und ‚trans‘. Dies kann auf das ‚höhere Erkenntnisvermögen‘ angewandt werden wie auf das ‚niedere‘. Wissenschaftlichkeit setzt nach Popper die Falsifizierbarkeit einer Theorie voraus – und damit Prognosefähigkeit. Prognosen müssen über den Bereich der bereits bekannten Fälle hinausgehen, und finden sich folglich primär in der Piaget-Phase ‚trans‘. Diese ist davon gekennzeichnet, dass es über die Gegenstände hinausgeht (‚trans-objekt‘). Zu häufig werden Artefakte nur beschrieben (‚intra-objekt‘) oder einzelne, zufällig bekannte Transformationen von Material in Artefakte bzw. von Artefakt in Verständnis aufgezählt (‚inter-objekt‘). Erst eine ‚Integrative Ästhetik‘ jenseits von zufälligen Semantiken, jenseits von sozialen Exklusions-Rhetoriken der Künstler und der ‚Leisure-Class-Eliten‘ (nach Veblen) und jenseits der Hierarchisierung von Wahrnehmungs-Modi kann den Anspruch einlösen (‚trans-objekt‘). Daraus folgen u.a. separierbare Semantiken spezifischem Maßstabs, die sich überhaupt erst dann z.B. als ‚konventionelle Kunst-Auffassung‘ beobachten lassen. Zentrierungen auf solche Semantiken können demnach „als Kunst missverstanden werden“ – obwohl sie keineswegs das allgemeine Prinzip repräsentieren, sondern stets nur Spezial­fall bleiben. -/- Kapitel II.B »Das Gehirn als Hypothesenmaschine – Ästhetische Prozesse als Selbst-Test im Beobachter-System.« -/- Die historische Trennung zwischen Techne, Poiesis und Aisthesis scheint nach der „konstruktivistischen Wende“ obsolet geworden zu sein. Jede Beobachtung kann als Handlung betrachtet werden und setzt adaptive Aspekte schon voraus. Jedoch fehlte bislang eine tragfähige konstruktivistische Ästhetik, deren Gültigkeitsbereich hinreichend groß ist: So ist die Beschränkung auf Kunst ebenso unnötig wie jene auf Kommunikation in sozialen Systemen (also auf „Kunst-Diskurse“) oder auf eine Produktions-, Werk- bzw. Rezeptions-Ästhetik. Die definitorische Auflösung des Kunst-Begriffes (z.B. bei Gernot Böhme) löst diese Schwierigkeiten nicht. Im Wesentlichen bleibt die resultierende phänomenologische Ästhetik eine Rezeptions-Ästhetik. Ähnlich begrenzt bleibt der Anwendungsbereich der Informations-Ästhetik mit kybernetischen Wurzeln. Auch die Einbettung in eine evolutionäre Ästhetik oder Neuroästhetik scheint problematisch. Daher muss eine „Integrative Ästhetik“ sehr unterschiedliche Sichtweisen in sich vereinigen. Inzwischen klassisch zu nennende kybernetische, systemtheoretische oder informations-ästhetische Ansätze verwenden meist die Logik einer Bottom-Up-Verarbeitung (Input-Processing-Output), wie sie auch die kognitive Psychologie der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts dominierte. Dass laut Schlicht et al. (2013: S.475) selbst im visuellen Kortex nur ca. 5% der neuronalen Verknüpfungen bottom-up verschaltet sind (und der „Rest” von 95% top-down oder lateral arbeitet), stellt auch die empirische Ästhetik vor Probleme. Dieser Beitrag stellt jene Integrative Ästhetik vor, welche diese Antworten auf diese Fragen zu geben vermag – und den genannten Beschränkungen nicht unterliegt. Der elementare Prozess einer ästhetischen Erfahrung besteht hier in einer Re-Codierung von extensionalen Daten zu intensionalen Codierungen. Durch die sparsamere Codierung stellt dies eine erhebliche neuronale Entlastung dar und erhöht zudem beträchtlich den Gültigkeitsbereich des Codierten. Vom Beobachter-System wird dies subjektiv als Dezentrierung (nach Piaget) positiv erlebt. Zentral ist, dass es nun mit einem einheitlichen methodischen Rahmen möglich ist, entweder bottom-up die Wahrnehmung zu analysieren oder top-down die subjektive Motivation (z.B. die erlebte Autonomie oder die erlebte Entlastung) des Akteurs zu thematisieren. Die Richtung der Prozesse wird umkehrbar. Zudem wird die konstruktivistische Wahrnehmungs-Handlung zu einer Art von Selbst-Test des Wahrnehmungs-Systems: „Funktioniere ich sensorisch und kognitiv überhaupt? Funktioniere ich korrekt, also konsistent? Und, funktioniere ich effizient?“ -/- Kapitel II.C »Beobachtende Systeme – Dezentrierende Gestalt-Integration als Basis einer Ästhetik des Alltags.« -/- An der ästhetischen Erfahrung irritiert traditionell, dass der Effekt bekannt ist, nicht aber die Ursachen und der funktionale Mechanismus. Dies leistete Mystifikationen Vorschub, was zu diversen metaphysischen Kunst-Ästhetiken führte: Der Künstler als Schamane oder Magier. Dieser Beitrag möchte dagegen einen systemsemiotischen Ansatz für eine empirische Ästhetik vorstellen. Die aktive Rolle des Beobachters im Wirkungszusammenhang soll den Blinden Fleck erhellen, aufgrund dessen sich das Phantom eines passiven Rezipienten und „quasi-aktiver“ ästhetischer Objekte so hartnäckig halten konnte. Ausgehend von gestalttheoretischen Überlegungen wird Gestalt als implizite, algorithmische Codierung begriffen. Neuere empirische Ergebnisse der „Neuro-Ökonomie“ postulieren einen Effekt der „kortikalen Entlastung“ (bei der Forschung nach der Wirkung von Marken). Der hier vertretene Ansatz verknüpft nun beide Aspekte und glaubt, daraus eine konsistente Theorie für die empirische Ästhetik des Alltags entwickeln zu können. Es muss jedoch ein weiterer Aspekt hinzu genommen werden, den Piaget „Dezentrierung“ nennt. Ästhetische Erfahrung wird dann definierbar als das Erlebnis eines Umcodierungs-Prozesses – oder genauer: als das Erlebnis einer dezentrierenden Gestalt-Integration durch das beobachtende System. Sowohl beobachtende Systeme als auch Gestalt-Integrationen sind in unserem Ansatz als multiple zu denken. Eine semiotische Differenzierung ist nun entscheidend: Die herkömmliche Informations-Ästhetik thematisierte nur die syntaktischen Aspekte des Stimulus, ohne den Beobachter in seiner aktiven Rolle zu begreifen. Gestalt-Integrationen samt deren dezentrierender Wirkung sind jedoch auch in semantischer und pragmatischer Hinsicht zu finden. Diese werden im Beitrag dargelegt. Denn erst so kann die Vielschichtigkeit ästhetischer Erfahrungen erklärt werden, wo z.B. syntaktische und pragmatische Aspekte konkurrieren können. Auch vordergründig destruktive Akte und Artefakte sind dann als Gestalt-Integrationen anderer Dimensionen oder differierender Bezugssysteme begreifbar. (Dies streift etwa auch Fragen der Ressourcen-Allokation.) Zudem muss die Kontingenz von Beobachtungs-Maßstäben, Wahrnehmungs-Modi, Struktur-Determinanten (des beobachtenden Systems) und kultur-semiotischen Prägungen mit in Betracht gezogen werden. Erst hierdurch wird der Möglichkeitsraum potenzieller Gestalt-Integrationen (der eigentlich aus einem präsentationalen und einem repräsentationalen Raum besteht) prinzipiell beschreibbar. Wenn auch die Probleme bzw. Grenzen der praktischen Durchführbarkeit entsprechender Analysen nicht unterschlagen werden sollen: Die Möglichkeiten entsprechen gut den Erfordernissen zur ästhetischen Analyse des menschlichen Alltages – schließen die Lebenswelten von nicht-anthropozentrischen Seinsformen aber wohl methodisch aus. Dieser Beitrag möchte ich primär eine empirische Ästhetik zur Diskussion stellen, die mir als Rahmen für die weitere Forschung sehr leistungsfähig erscheint. Und doch ist nichts weniger als ein theoriebildender Ansatz das Vorhaben. Eine der Konsequenzen aus diesem Ansatz ist die These, dass es sich bei Kants Diktum vom „interesselosen Wohlgefallen“ zwar für das Individuum um ein Apriori handelt, bei der Gattung Mensch jedoch evolutionär um ein Aposteriori. (shrink)

Peter Sloterdijk’s Der Ästhetische Imperativ – Schriften zur Kunst is a collection of essays addressing a range of topics in the aesthetic realm, including sound, light, product design, cities and architecture, the human (artificial) condition, museums, action cinema and the art system. Via a ‘media’-anthropological, historico-philosophical approach, he critiques the ‘aesthetic imperative’ of (post-)modern design civilizations by re-evaluating the analogy between universal ethics and aesthetics after Kant. In this way, Sloterdijk argues for a more singular, intensive, socially and environmentally (...) responsible aesthetic experience. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:Reviewed by:Greek and Latin Inscriptions in the Manisa MuseumKent J. RigsbyHasan Malay. Greek and Latin Inscriptions in the Manisa Museum. Vienna, 1994. 192 pp. 99 plates. (Österreichische Akademie der Wissenschaften, Denkschriften 237, Ergänzungsbande zu den Tituli Asiae Minoris 19)For well over a century, inscriptions found in the Hermus Valley in Lydia have been making their way to the museum at Manisa. Hasan Malay presents here a full (...) inventory of this rich collection, stones deriving from the great cities (Sardes, Philadelphia, Daldis, Hierocaesarea, etc.) and from the numerous villages [End Page 167] within their territories. Malay has himself contributed substantially to the building of this collection through his explorations, and his familiarity with the region and its monuments is an essential component of this catalogue.In recent years the inscriptions of Lydia have received work of very high quality which is readily available to readers, and Malay has made the laudable decision to include only what must be included in order to complete the published record on the museum holdings: new texts are given description, text, commentary, and photograph; already published texts with no photograph in print have a brief description, lemma, and photograph but no text; others, only a description and up-to-date lemma without photograph or text (except where Malay has improved the readings, e.g., nos. 39, 368, 380). Malay has shown admirable discipline in not filling our libraries with redundant matter.The material is organized by type of text, except for a twenty-page addendum of stones that arrived during the year that publication was in progress. The statistics: 561 entries, of which 190 are new texts; twelve of these have been held for impending separate publication; four texts are in Lydian; there is little Latin (no. 470; bilingual, nos. 231, 520 [a new illustration of the bilingualism of Imperial freedmen; cf. Robert, Laodicée 325-26], and 523, an edict). Metrical texts are few (nos. 51, 318, 354). Dates range from the fourth century B.C. (no. 515, fragment of an Aeolic decree, nearly stoichedon) to the twelfth A.D., but are mostly Roman Imperial; for many stones the exact provenance is uncertain. The lemmas, while not genetic in form, are thorough and current; the commentaries address essentials with efficiency. Careful indexes are provided (only to the texts actually printed), also a detailed concordance to past publications, and two clear maps showing known provenances. Some of these texts will be taken up in the course of the completion of TAM V by Georg Petzl. Note that Petzl's "Beichtinschriften" (= EpigrAnat 22) appeared simultaneously; a number of those inscriptions are in the Manisa Museum, and Petzl was able to consult and cite Malay's manuscript in completing his own work.The photographs are uniformly excellent (nos. 360 and 362 have been badly cropped, cutting off some text) and constitute an important new body of evidence for the history of art in western Anatolia in the late Hellenistic and Roman periods. These mostly are reliefs (no. 161 is especially rich, and obscure owing to weathering; no. 58 is a Nike in the round; no. 336 is incised and perhaps unfinished).The volume offers pleasures for diverse agendas. New villages are attested (nos. 38 and 184, 48, 51), a known one located (no. 31); a new phratry inscription (no. 244) joins others from the northeastern part of Lydia. We have a new sundial (no. 25), and a woman who lived to be a hundred (no. 465). Foreign ethnics are few. No. 536, from Dareioukome, is a grave monument for Apollonius set up by his wife, Tyche, perhaps in the second century or earlier, ' ΤΩ[... ]ΔOYPHNΩ; the majuscules are properly cautious, and Malay cites Dura only in the commentary; there is scarcely space but consider Τω[βίου], whatever the likelihood of a Jew from Parthian Dura settling by the Hermus. [End Page 168]A number of new cults and divine epithets are revealed. Zeus Antigoneios (nos. 69-74, variously spelled) Malay traces to the Antigonid dynasty and Macedonian soldiers settled in Lydia in the Hellenistic period. This seems to me unlikely, in an area never under Antigonid rule even briefly, and I suspect rather that the epithet... (shrink)

How do the pictures Wittgenstein and his relatives took during his life relate to his philosophical work? The exhibition at the Leopold Museum in Vienna in 2021 demonstrated a complex network of resemblances, overlaps, and cross-references between Wittgenstein’s way of working and the pictures he collected. In this essay, the network is used as an example to argue that a combination of philosophy and artistic sensibility might be a fruitful enrichment for a philosophical practise.

"Die Gedanken, die ich in diesem Buche mitteile, sollen die Grundstimmung festhalten, die ich in der Weltanschauung Goethes beobachtet habe. Im Lauf vieler Jahre habe ich immer wieder und wieder das Bild dieser Weltanschauung betrachtet. Besonderen Reiz hatte es fur mich, nach den Offenbarungen zu sehen, welche die Natur uber ihr Wesen und ihre Gesetze den feinen Sinnes- und Geistesorganen Goethes gemacht hat. Ich lernte begreifen, warum Goethe diese Offenbarungen als so hohes Gluck empfand, dass er sie zuweilen hoher schatzte (...) als seine Dichtungsgabe. Die Eindrucke, welche Goethe von den Erscheinungen der Natur empfangen hat, muss man kennen, wenn man den vollen Gehalt seiner Dichtungen verstehen will. Die Geheimnisse, die er dem Wesen und Werden der Schopfung abgelauscht hat, leben in seinen kunstlerischen Erzeugnissen und werden nur demjenigen offenbar, der hinhorcht auf die Mitteilungen, die der Dichter uber die Natur macht. Niemand kann in die Tiefen der Goetheschen Kunst hinuntertauchen, dem Goethes Naturbeobachtungen unbekannt sind." [...] Rudolf Steiner war ein osterreichischer Esoteriker und Philosoph. Auf Grundlage seiner Lehre entstand unter anderem die Waldorfpadagogik. Der Verlag der Wissenschaften verlegt historische Literatur bekannter und unbekannter wissenschaftlicher Autoren. Dem interessierten Leser werden so teilweise langst nicht mehr verlegte Werke wieder zugangig gemacht. Das vorliegende Buch ist ein unveranderter Nachdruck der historischen Originalausgabe aus dem Jahr 1897.". (shrink)

Wir interpretieren nicht nur Texte und haben dafür eine besondere „hermeneutische Kunst“ (Schleiermacher) entwickelt, sondern wir interpretieren auch die Welt um uns. Die Untersuchung geht der Frage nach, welche expliziten und impliziten Regeln in der Praxis der Interpretation angewandt werden. Der erste Teil klärt u.a. den Begriff der Interpretation, das Verhältnis von Lesen und Interpretieren und analysiert die traditionelle Metaphorik der Interpretation. Im zweiten Teil werden Paradigmen der Interpretation untersucht: die mantische Deutung von Orakeln und Träumen, die philologische Interpretation (...) literarischer Texte, die alltägliche Deutung einer Physiognomie und die kriminalistische Deutung von Spuren. Im Horizont von Rhetorik, Philologie und Hermeneutik werden in den folgenden Kapiteln antike, mittelalterliche und neuzeitliche, jüdische und christliche Interpretationslehren und danach die neuzeitliche Entwicklung der Hermeneutik als Wissenschaft behandelt. Das Abschlusskapitel fasst Regeln der Interpretation von Texten zusammen. (shrink)

Carl Mengers Grundsätze der Volkswirthschaftslehre erscheinen 1871 und markieren die Geburtsstunde der Österreichischen Schule der Nationalökonomie. 150 Jahre später kennen mehr Menschen in mehr Ländern die Österreichische Schule als je zuvor. -/- Carl Menger, Ludwig Mises und Friedrich Hayek werden verteufelt oder wie Popstars verehrt. Ihre Köpfe zieren Poster und T-Shirts in aller Welt. -/- Die Wurzeln der heutigen Neo-Austrian School liegen aber in Wien, wo zwischen 1871 und 1934 Wissenschaft, Philosophie, Kunst und Kaffeehauskultur einander zu Höchstleistungen inspirieren. Von (...) diesen interdisziplinären und vielfältigen Wiener Ursprüngen und ihren globalen Folgen handelt dieses Buch. -/- Möge es als Fußnote zur glorreichen Wiener Spätaufklärung Wissen vermitteln, Ideen stiften, zum Nachdenken und tolerant-kritischen Diskutieren anregen – und hoffentlich auch ein wenig unterhalten! (shrink)

In diesem Buch wird zunachst eine Topik asthetischer Begriffe entwickelt, die dann an wesentlichen Knotenpunkten der Geschichte von Asthetik und Kunstphilosophie von Platon bis in die Gegenwart erprobt und auf sie angewandt wird. Systematische und geschichtlich konturierte Uberlegungen erganzen einander. Von besonderem Interesse ist dabei die Reflexion von Kunsterfahrung und Kunstwerken durch philosophisches Denken. Auf diese Weise zeigt sich das fruchtbare Spannungsverhaltnis zwischen Theorieformen und der Vielfalt asthetischer Erscheinungsformen. Dem Verhaltnis tradierter Asthetik und der nicht-schonen Kunste der Moderne gilt ein (...) besonderer Fokus. Das Augenmerk der Studie begrenzt sich freilich nicht auf hohe und autonome Kunst; vielmehr richtet es sich besonders auch auf die Architektur und Gebrauchskunst. Auch der Asthetik des Performativen und ihrer Rolle in der Kunst der Moderne gelten eingehende Analysen. (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:ArtistsJennifer and Kevin McCoy are Brooklyn-based artists who make projects about how our thoughts, experiences, and memories are structured through genre and repetition. In order to focus attention on these structures, they often reexamine classic works of science fiction or television narrative, creating sculptural objects, video projections, or live events from what they find.Their work has been exhibited at The Museum of Modern Art, The Metropolitan Museum (...) of Art, The New Museum (all in New York), and The Renaissance Society (Chicago). International exhibitions include projects at ZKM (Karlsruhe, Germany) and Kunst Werke (Berlin), and a solo exhibition at The British Film Institute (London, UK). Articles about their work have appeared in Art News, Art in America, Artforum, Flash Art, The Wire, dArt International, Spin Magazine, Feed, and The Independent. Installation view and detail images of Double Fantasy 2 (Sex) were shown in the solo exhibition "Directed Dreaming" at Postmasters, New York, March–April 2006. The Double Fantasy image was part of the exhibition "Night Sites" at the Hannover Kunstverein in Hannover Germany, November 2005. Each side of the sculpture has a model of a childhood sex fantasy for each of us. Cameras project large-scale images of it onto the wall, accompanied by a soundtrack. Click for larger view View full resolutionFigure 1.Jennifer and Kevin McCoy, Double Fantasy 2 (Sex). "Directed Dreaming," installation view. March–April 2006 at Postmasters Gallery, New York(Cover) Click for larger view View full resolutionFigure 2.Jennifer and Kevin McCoy, Double Fantasy 2 (Sex). "Directed Dreaming," installation view. March–April 2006 at Postmasters Gallery, New York(Page 2) Click for larger view View full resolutionFigure 3.Jennifer and Kevin McCoy, Double Fantasy 2 (Sex). "Directed Dreaming," detail. March–April 2006 at Postmasters Gallery, New York(Page 16) Click for larger view View full resolutionFigure 4.Jennifer and Kevin McCoy, Double Fantasy 2 (Sex). "Directed Dreaming," detail. March–April 2006 at Postmasters Gallery, New York(Page 32) Click for larger view View full resolutionFigure 5.Jennifer and Kevin McCoy, Double Fantasy 2 (Sex). "Directed Dreaming," installation view. March–April 2006 at Postmasters Gallery, New York(Page 47) Click for larger view View full resolutionFigure 6.Jennifer and Kevin McCoy, Double Fantasy 2 (Sex). "Directed Dreaming," installation view. March–April 2006 at Postmasters Gallery, New York(Page 63) Click for larger view View full resolutionFigure 7.Jennifer and Kevin McCoy, Double Fantasy 2 (Sex). "Directed Dreaming," installation view. March–April 2006 at Postmasters Gallery, New York(Page 77) Click for larger view View full resolutionFigure 8.Jennifer and Kevin McCoy, Double Fantasy 2 (Sex). "Directed Dreaming," detail. March–April 2006 at Postmasters Gallery, New York(Page 92) Click for larger view View full resolutionFigure 9.Jennifer and Kevin McCoy, Double Fantasy. "Night Sites," installation view. November 2005 at Hannover Kunstverein, Hannover, Germany(Page 107)Copyright © 2007 The Johns Hopkins University Press... (shrink)

Dispositif non pas d’exposition mais de communication, la « Konkomba Memory Box » est présentée simultanément dans une localité konkomba, à Nawaré au Togo, et au Rautenstrauch-Joest Museum à Cologne, dans le cadre de l’exposition « Resist – Die Kunst des Widerstands (L’art de la résistance) », du 6 novembre 2020 au 14 avril 2021. Ce cadre muséal hors-les-murs n’est pas simplement le réceptacle des informations collectées au cours d’une enquête sur l’actualité du passé colonial, et notamment de (...) sa violence, mais il est aussi l’outil d’une exploration, dont la forme est élaborée, appropriée, discutée et recomposée par l’ensemble des participants, et surtout, par ceux qui aujourd’hui, font leur ce récit. L’affaire des « pouces coupés » illustre bien cette démarche. Il s’agit du débat sur la restitution d’un membre fantôme, celui du pouce de la main droite des archers konkomba dont les descendants actuels affirment qu’il a été amputé par les milices coloniales allemandes (Von Massow) puis françaises (Massu). (shrink)

Was ist Philosophie? Philosophie sei die Anleitung zu philosophieren heiBt es und die Gesmichte der Philosophie das imaginare Museum, das dem Publikum zu andamtigem Besum offen zu halten sei und in dem der junge Philosoph die Meister studiere, um seinen eigenen Stil zu finden. Diese Parallele zur Kunst macht die Mannigfaltigkeit der Smulen, die so bedrockend ist, wenn Philosophie eine Wissenschaft sein solI, zu Reimtum und es ware alles gut, wenn die klassische Philo sophie nimt so unverkennbar im (...) Stil der Wissenschaft gesmrieben ware. Das gibt zu denken: Die scheinbar soliberale Idee, die Philo sophie sei nimt eine Wissenschaft, wird zu einem Vorurteil, sob aId man folgert, nach ihrer Wissenschaftlichkeit braume nun nicht mehr gefragt zu werden, und die Objektivitat der Unterbringung von Ge danken in der Geschichte der Gedanken ist eine Verflihrung, in Ge schichte zu spekulieren statt selbst zu denken. Aber PLATO und DES CARTES wenden sich an verbindlich mitdenkende Leser und die Kritik der Vernunft ist nicht als Dokument des geistigen Adels eines groBen Mannes oder als Ausdruck einer Epoche geschrieben, sondern als Lehre. Die drei Antinomieen der Vernunft z. B. wollen gewiB als eine kri tische Entdeckung gelten und es ist nimt von vorne herein klar, daB diese Absicht keine Rlicksicht verdient. Welche Bedeutung hat die Wissenschaftlichkeit flir die Philosophie? Konnen wir sie zurockgewinnen, sollten wir es und wie. (shrink)

Die Essays versammeln begründende und angewandte Überlegungen zu einer kritischen Theorie der visuellen Kultur. Sie zeigen, wie die begriffliche Konstruktion struktureller und historischer Wesensmerkmale der hoch- und spätkapitalistischen Gesellschaft und deren Antagonismen im Bereich von Kunst und Kultur in den letzten 100 Jahren bis heute in den Grundzügen und im Detail aussieht. Alle Texte, die in der ersten Auflage von 2013 enthalten waren, wurden für die Neuausgabe intensiv überarbeitet und z.T. erweitert. Einige wurden herausgenommen und durch aktuellere Texte (...) ersetzt. Hinzu kommt ein unveröffentlichter Essay zur Medienphilosophie. Der Band ist in der Neuausgabe in drei Abteilungen gegliedert: Grundbegriffe und Konzeptionen, Autoren und Modelle sowie Themen und Anwendungen. Der erste Teil ist dem Subjektbegriff und dem Kulturbegriff in der Kritischen Theorie gewidmet. Im zweiten Teil werden Ansätze von Marcuse und Adorno dargestellt und interpretiert. Im dritten Teil geht es um Bild- und Kunstbegriffe in der Kritischen Theorie sowie um ein Konzept kritischer Medienphilosophie. Bildtheorien aus dem Bereich der Frankfurter Schule sind im bildwissenschaftlichen Diskurs noch kaum vertreten. Dabei sind Konzepte des Bildes bei Adorno, Horkheimer, Marcuse und Benjamin nicht nur in der Ästhetik wichtig, sondern auch in der Geschichtsphilosophie sowie in der Wahrnehmungs- und Erkenntnistheorie. (shrink)

Das von Mitgliedern des Historisch-Kulturwissenschaftlichen Forschungszentrums der Universitäten Mainz und Trier sowie des Gutenberg-Museums in Mainz gemeinsam vorbereitete Ausstellungs- und Katalogprojekt veranschaulicht anhand von Beispielen aus unterschiedlichen Forschungsrichtungen die enge Beziehung von Wissen und Raum. Die Resultate interdisziplinärer wissenschaftlicher Arbeit werden so - im wahrsten Sinne des Wortes - veranschaulicht und ihre Aktualität für ein breites Publikum einsichtig gemacht. Die Ausstellung, die vom 30. Oktober 2008 bis zum 29. März 2009 im Gutenberg-Museum in Mainz zu sehen sein wird, vermittelt (...) also nicht nur kunst- und kulturhistorisches Faktenwissen. Vielmehr soll die Ausstellung die bewusste Auseinandersetzung mit Wissen und seiner Verortung fördern. Die Verbindung von Wissen und Raum lässt vielfältige Assoziationen zu. Denkt man zunächst an Schulen und Universitäten, Bibliotheken, Archive und Museen, kommen dann auch noch andere Wissensräume in den Blick: das Internet, unser Schreibtisch, Kirchen, Bücher, Zeitschriften, Filme, Bilder, Landkarten, das menschliche Gehirn. Überall wird Wissen in den unterschiedlichsten Räumen gesammelt, aufbewahrt, geordnet und zugänglich gemacht. (shrink)

In seinen Vorlesungen über die Ästhetik aus den 1820er Jahren stellt Hegel die berühmte These auf, dass Kunst als eine Form des Absoluten ihr finales und fortgeschrittenstes Stadium in der Selbstauflösung der Romantik erreicht habe. Anschließend an Hegel schlägt der Kunstkritiker und Philosoph Arthur C. Danto am Ende des 20. Jahrhunderts in einer Reihe von Aufsätzen vor, dass die Konzeptkunst seiner Zeit mit der These vom Ende der Kunst übereinstimmt. Kunst ist demnach abhängig von Theorie und nicht (...) mehr von historischer Relevanz. Um über die Bedeutung von Hegels These für uns heute nachzudenken, benutzt der vorliegende Essay das notorische Video, das der sogenannte Islamische Staat (ISIS) 2015 produziert hat. Es zeigt, wie diese militante Gruppe gewaltsam jahrhundertealte Skulpturen im Museum von Mosul zerstört. Obwohl weder die im Video gezeigten Skulpturen noch das Video selbst von uns als Kunstwerke angesehen werden, wurden diese Werke in der Vergangenheit als Kunst entworfen, und paradoxerweise überleben sie nur als Videoaufnahme ihre materielle Zerstörung, sodass sie für uns als Erscheinung gegenwärtig bleiben. Einerseits bestätigt der Inhalt des Videos Hegels Behauptung, dass die Kunst »für uns ein Vergangenes ist«; andererseits verweist es auf eine neue Form des Ausdrucks jenseits der These vom Ende der Kunst. (shrink)

This article sets out to draft a preliminary sketch of an environmental history of photography, as opposed to a history of environmental photography. It shows that such a history should be rooted in a conceptualization of our geological epoch as the Capitalocene: the age of capital. Seen in this light, photography can be understood as part of a longer history of what the article describes – building on the work of activist and journalist Raj Patel and environmental historian Jason W. (...) Moore (2018) – as the ‘cheap image’. In this way, photography is shown to offer a succinct expression of the Cartesian dualism that Patel and Moore see as being at the heart of the Capitalocene: the externalized image of capital N nature that this world ecology necessitated. The article considers Mining Photography: The Ecological Footprint of Image Production (Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg, 2022) a recent exhibition and catalogue that attempted to narrate in exhibition form a history of photography from such a perspective. Finally, it concludes with a discussion of the work of several artists from this exhibition who are seen as exemplifying ‘metabolic realism’, a new critical photo-based artistic approach. (shrink)

Vorwort - Einleitung: Welt und Wirkung von Hegels Ästhetik I. KUNSTIDEAL UND KULTURPOLITIK. Otto Pöggeler. System und Geschichte der Künste bei Hegel - Helmut Schneider. Aus der Ästhetikvorlesung Hegels 1820/1821 - Lucia Sziborsky. Schelling und die Münchener Akademie der bildenden Künste. Zur Rolle der Kunst im Staat - Annemarie Gethmann-Siefert. Die Rolle der Kunst im Staat. Kontroverses zwischen Hegel und den Hegelianern II. DIE BILDENDEN KÜNSTE UND DIE HISTORIE. Heinrich Dilly. Hegel und Schinkel - Werner Busch. Wilhelm von (...) Kaulbach -peintre-philosophe und modern painter. Zu Kaulbachs Weltgeschichtszyklus im Berliner Neuen Museum - Gregor Stemmrich/Annemarie Gethmann-Siefert. Hegels Kügelgen-Rezension und die Auseinandersetzung um den eigentlichen historischen Stil in der Malerei - Wolfgang Beyrodt. Ansichten vom Niederrhein. Zum Verhältnis von Carl Schnaases Niederländischen Briefen zu Georg Forster III. MUSIK UND POESIE. Konrad Schüttauf. Melos und Drama. Hegels Begriff der Oper - Jürgen Söring. Hegel und die Romantheorie R. Wagners IV. POESIE UND WELTKULTUR. Hans-Georg Gadamer. Die Stellung der Poesie im System der Hegelschen Ästhetik und die Frage des Vergangenheitscharakters der Kunst - Dieter Bremer. Hegel und Aischylos - Clemens Menze. Das indische Altertum in der Sicht Wilhelm von Humboldts und Hegels - Barbara Stemmrich-Köhler/Annemarie Gethmann-Siefert. Von Hammer, Goethe und Hegel über Firdausi. Literaturkritik. Geschichtsbild und kulturpolitische Implikation der Ästhetik - Karlheinz Stierle. Malerei und Literatur der italienischen Renaissance in Hegels Ästhetik - Ursula Rautenberg. Ein Hegelianer unter Germanisten. Karl Rosenkranz' mediaevistische Studien. (shrink)

This volume responds to calls in visual and material cultural studies to move beyond the visual and to explore the multi-sensory impact of the image, across a wide range of cultural and historical contexts. What does it mean to do art history after the material and sensory turns? What is an image, if it is not purely visual phenomenon, and how does it prompt non-visual sensory experiences? The multi-sensoriality of the image was a less challenging concept before the occularcentric modern (...) age, and so this volume brings together a global array of scholars from multiple disciplines to explore these questions in pre-modern or non-western contexts, ranging from Minoan palace frescoes, to Roman statues, early church sermons, tombs of Byzantine saints, museum displays of Islamic artefacts of scent, medieval depictions of the voice, and Stuart court masques. Each chapter presents a means of appreciating images beyond the visual, demonstrating the new information and understanding that can consequently be gleaned from their material. As a collection, these chapters offer the student and scholar of art history and visual culture an array of exciting new approaches that can be applied to appreciate the multi-sensoriality of images in any context, as well as prompts for reflection on future directions in the study of images and its application. The Multi-Sensory Image thus illustrates that it is not only possible to explore the non-visual impact of images, but imperative. (shrink)

Im Jahre 1850 hat der russische Archimandrit Porfirij Uspenskij von einer Reise nach dem Sinai unter anderem vier Ikonen mitgebracht, die zu den ältesten ihrer Gattung gehören. Es handelt sich um eine Ikone mit der Darstellung der Gottesmutter, eine mit Johannes dem Vorläufer, eine Tafel mit der Darstellung zweier Heiliger, die durch spätere Inschriften als Sergios und Bakchos bezeichnet werden, und schließlich um eine weitere Ikone mit den Brustbildern zweier Heiliger. Nach dem Tode Uspenskijs kamen die Tafeln mit der übrigen (...) Sammlung 1885 in das Kirchlich-archäologische Museum an der Geistlichen Akademie Kiev, später (1940) in das Staatliche Kiever Museum für westliche und östliche Kunst. Beschreibungen oder Listen der Ikonen hat Uspenskij nicht hinterlassen, und auch sein schriftlicher Nachlaß gab keine Auskünfte. Bereits 1886 hat Petrov einen Katalog erstellt, und auch schon die Ikonen zumeist in das 6./7. Jahrhundert datiert. Auf diesen Katalog ist er jedoch später nicht mehr zurückgekommen. J. Strzygowski sah die letztgenannte Ikone, als sie auf dem 7. archäologischen Kongreß in Moskau 1890 ausgestellt war, und er hat sich ausführlich mit ihr auseinandergesetzt. Freilich war der Publikation noch keine vollständige Photographie beigegeben. Dann sind die Sinai-Ikonen anscheinend in einem Museumsführer 1897 publiziert worden. Eine ausführliche Untersuchung widmete 1902 Ajnalov diesen Ikonen, 1912 folgte die Publikation durch Petrov im Inventarband des Museums, die sich an den betr. Stellen eng an Ajnalov anlehnt, ja dessen Text wörtlich übernimmt. (shrink)

Die Ausstellung „Byzanz: Das Licht aus dem Osten“ (2001/2002) in Paderborn ist bereits die zweite in dem dortigen Diözesan-Museum, die sich der spätantiken und oströmischen Kultur widmet. Die erste Ausstellung fand um die Jahreswende 1996/1997 unter dem Titel „Frühchristliche Kunst in Rom und Konstantinopel“ statt. Beide Präsentationen decken somit die beiden Teilbereiche des universitären Studienfaches „Spätantik-frühchristliche Archäologie und Byzantinische Kunstgeschichte“ ab. Es kommt daher zwischen beiden Ausstellungen zu thematischen Überschneidungen im Bereich der Spätantike, die jedoch als Anknüpfungspunkte eines (...) Fortsetzungskonzeptes zu verstehen sind und nicht zu einer wiederholten Präsentation einunddeselben Exponates geführt haben. Interessant ist dagegen eine Verschiebung der Akzente: Während die erste Ausstellung ein gewisses Schwergewicht auf der reinen Kunstgeschichte und hierbei auf den Arbeiten der unterschiedlichen Bereiche der Plastik aufwies, stellt die Byzanz-Ausstellung die Alltagsgeschichte in den Vordergrund und veranschaulicht diese durch die Exponate. (shrink)